TMDQA! Entrevista: July Talk explora novas sonoridades e eleva sua arte em "Pray for It"

Tratar a música como uma arte que se mescla a outras vertentes é uma das especialidades do July Talk, uma das bandas mais interessantes em questão de conceito e sonoridade a sair do Canadá nos últimos anos.

O grupo que transita entre o Art Rock e o Rock Alternativo sem deixar de lado as influências de Indie e Blues é formado pelos vocalistas Peter Dreimanis e Leah Fay, cuja dualidade de vozes virou marca registrada das canções, além de Ian Docherty na guitarra, Josh Warburton no baixo e Danny Miles na bateria.

Depois de uma estreia bem-sucedida com seu álbum homônimo em 2012, o quinteto expandiu seu som em Touch (2016) e chega ainda mais cheio de influências e novidades no recém-lançado Pray for It.

Por trás dos lindos clipes e canções da banda estão mensagens poderosas, seja sobre as injustiças que o mundo nos apresenta dia após dia, sobre reflexões internas ou até mesmo sobre a paixão e o amor.

Para entendermos melhor tudo isso, conversamos com Leah e Peter em uma entrevista exclusiva que ajuda a esclarecer as mensagens passadas pelo novo álbum e detalha o incrível processo de composição do grupo. Confira a seguir!

Entrevista com July Talk

TMDQA!: Oi, pessoal! Espero que esteja tudo bem por aí no meio de todo esse caos. Queria começar dando parabéns pelo novo disco e, em especial, pelos singles — todos eles soam muito bem, muito diferentes um do outro, e isso é algo que realmente captura a atenção do ouvinte. Pode nos contar mais sobre a sonoridade do novo álbum e como ela foi concebida?

Leah Fay: É tão difícil falar sobre música. É um pouco como as pessoas veem diferentes tons de cor ou a forma como uma frase pode ser lida de 100 formas diferentes dependendo de onde está a ênfase do leitor ou de como eles imaginam o tom de voz da pessoa. Cada música veio de um sentimento, experiência ou crença urgente diferente, e as decisões sonoras foram feitas de acordo com o que intuitivamente parecia melhor para cada canção. Então há muita variedade, sim, mesmo fora dos singles!

“Good Enough” me faz querer dançar, “Friend of Mine” meio que começou como uma ideia que queríamos lançar como um lado B porque ela soa feliz, “Champagne” tem a intenção de ser um comentário sonoro (e temático) no roubo e lucro em cima da música negra pelos músicos brancos na música Pop através do último século e conta com uma bela linha vocal inspirada pelo Gospel e escrita por James Baley — a gente explora muito território diferente nesse álbum.

Ter duas vozes na nossa banda sempre foi o aspecto mais identificável de qualquer música do July Talk e meio que nos faz sentir que temos a liberdade de experimentar para além dos limites da música “Rock and Roll”. Eu acho que realmente utilizamos dessa liberdade nessa coleção de músicas.

TMDQA!: Que legal! Eu queria falar um pouco sobre “Identical Love”, pois achei a faixa bastante interessante uma vez que eu acho que a primeira vez em muito tempo (ou na vida, talvez!) que vocês têm uma música com a guitarra como instrumento de fundo. Era algo que vocês queriam experimentar há algum tempo ou foi só essa questão da resposta intuitiva à música em si?

Peter Dreimanis: “Identical Love” foi escrita majoritariamente no wurlitzer como seu principal instrumento de ritmo. Eu acho que a natureza mais aberta das letras nos levou a uma paleta mais etérea e cheia de nuances de saxofones e sintetizadores ao invés de algo mais imediato e de confronto como uma guitarra distorcida. Fazer esse disco foi um verdadeiro treino de ouvir as músicas e deixá-las direcionarem suas próprias direções criativas, ao invés de forçar a mão.

Fosse a letra ou algum movimento de acorde específico que dava essa deixa para os arranjos, foi importante que seguimos o caminho que a canção mandava. Aliás, acho que nos sentimos menos preocupados com a habilidade da canção de ser percebida, e mais empolgados com o pensamento de uma música ser a sua expressão mais verdadeira de si, usando suas roupas preferidas e pintando seu cabelo de rosa se ela quisesse. Nós não queríamos falar às nossas músicas qual uniforme usar, sabe?

TMDQA!: Sei! Também queria falar sobre “Governess Shadow”, mas tocando em outro ponto. Sinto que o tema lírico dela é tão importante dentro do contexto que temos no mundo agora, pois parece que vocês estão criticando a forma como alguns de nós simplesmente se eximem de qualquer culpa e ficam confortáveis em meio às injustiças e opressões daqueles que não têm escolha. É por aí? Vocês podem elaborar um pouco sobre o pensamento que deu origem a essa música?

Peter: Obrigado, e sim, é por aí. Eu acho que eu comecei pensando sobre essa gigantesca sombra que a nossa história bizarra tem sobre nós. A violência institucional e a desigualdade do nosso passando ficam se pendurando sobre nós como um elefante gigante na sala. Nós, as pessoas privilegiadas como eu, podemos decidir quando querem pisar dentro da sombra da complacência. É uma coisa bem complicada ver o poder tomando conta, quando alguém “dá uma carteirada” e afirma seu poder sobre outra pessoa. Eu estava interessado em explorar esse momento, quando as diferenças entre nós se mostram. Porque não é justo, e nunca foi justo.

“Pay for It” e importância da cidade para a arte

TMDQA!: Bom, vocês são de Toronto, e pelo que sei a cidade é muito artística — e vocês são um ótimo exemplo de quantos meios artísticos diferentes podem se juntar em um único projeto (como uma música) para dar mais sentido a ela. Vocês acreditam que o contexto da cidade e essa vibração artística colaboram pra isso?

Leah: Eu acho que os músicos de Toronto fazem algumas das músicas mais importante no planeta e muito disso provavelmente vem do fato de que em uma cidade grande e populosa você é constantemente lembrado de que não vive em uma bolha, é apenas um em vários milhões tentando viver a vida. Pra mim, isso me faz querer estar ciente do meu lugar e do espaço que eu ocupo.

Eu tenho uma tendência a ver as coisas de uma maneira diferente do que as outras pessoas daqui (com 2,93 milhões aqui por perto) então há muito a aprender sobre como coexistir de forma responsável e como ajudar onde eu puder — especialmente durante uma pandemia e um movimento global para desmantelar sistemas de poder antigos. Toronto tem seus problemas, como qualquer outro lugar (é difícil encontrar moradia barata, por exemplo) e o patriotismo é um conceito estranho em terra roubada, mas é um privilégio morar em um lugar onde eu acho que algumas conversas importantes acontecem. Essas conversas geram ótima arte.

TMDQA!: Te perguntei isso porque acho que “Pay for It” é um grande exemplo de como um vídeo pode fazer uma música ganhar um significado totalmente diferente. É um visual tão poderoso e, rolando pelos comentários do YouTube, vi muita gente se emocionando assistindo a ele e refletindo sobre. É esse tipo de coisa que dá a sensação de “missão cumprida”? Aliás, se também puderem falar mais sobre o vídeo, tenho certeza que as pessoas vão curtir saber!

Leah: Eu acho que o maior sentimento de “realização” é quando eu ouço que a nossa arte está curando as pessoas. “Pay for It” foi escrita como uma oração para a quebra de “hábitos antigos” mas ela veio de um momento onde eu me senti sem forças e precisei daquelas palavras para me sentir curada.