Os 50 melhores discos internacionais de 2023

Canções como “Free Yourself”, “Hello Love” e “Begin Again” são boas provas disso em um álbum redondinho.

22. boygenius – the record

Um dos discos de estreia mais aguardados de todos os tempos, the record não decepcionou e colocou o boygenius logo de cara como uma das bandas mais interessantes dessa nova geração do Indie/Alternativo.

Não poderia ser diferente com um supergrupo de três mulheres excepcionalmente talentosas: Phoebe Bridgers, Julien Baker e Lucy Dacus mostram sintonia perfeita no álbum que levanta questões e reflexões sobre os mais diversos temas, sempre acompanhadas de um instrumental fenomenal.

21. Crosses – Goodnight, God Bless, I Love U, Delete.

Quase 10 anos depois de sua estreia, o Crosses, projeto de Chino Moreno (Deftones), lançou um belo segundo álbum.

Com direito a participações de Robert Smith (The Cure) e El-P (Run the Jewels), o disco traz a mesma essência baseada em sintetizadores do primeiro, mas reforça a evolução do tempo com belos timbres mais modernos que atendem às propostas de cada música.

O destaque, como era de se esperar, fica para a nuance sombria e sensual que acompanha Chino em praticamente todos os seus projetos.

20. Amaarae – Fountain Baby

Assim como é comum vermos em várias cenas que ganham muita notoriedade com o tempo, o R&B e Hip Hop têm tido algumas sonoridades saturadas nos últimos anos. Quem chegou pra bagunçar isso de vez e mostrar que há muito a explorar ainda é Amaarae, fugindo de qualquer clichê em seu segundo disco de estúdio.

Fountain Baby já garantiu um hit com “Angels in Tibet” mas, de forma geral, faz um trabalho espetacular de explorar melodias de voz impressionantes em meio a batidas que cruzam fronteiras experimentais, indo desde o que se espera de mais tradicional do estilo até a incorporação de elementos Punk, do Afropop e até do Funk brasileiro.

19. blink-182 – ONE MORE TIME…

A tão comentada reunião do blink-182 com Tom DeLonge rendeu um novo disco e isso, por si só, já era motivo pra comemorar.

O fato de ONE MORE TIME… ter muito mais acertos do que erros é ainda mais razão para os fãs do blink sorrirem, já que aqui a banda reencontra a sonoridade de seus clássicos e tem como grande ponto positivo incorporar elementos dos projetos solo de cada integrante.

Isso dá espaço para as identidades individuais que foram desenvolvidas ao longo dos anos se mostrarem e garantirem que o álbum não soe apenas como material reciclado do passado.

18. Jon Batiste – World Music Radio

Jon Batiste é um daqueles artistas que é difícil descrever sem usar a palavra gênio. O cantor tem ótimos momentos na carreira nos últimos anos, mas World Music Radio mostra que ainda há muito por vir.

Trata-se de um disco que explora limites, como fica muito claro em “Uneasy”. A faixa traz a participação de Lil Wayne, lenda do Rap, que faz um solo de guitarra — vale lembrar que ele já viralizou anteriormente por não ser tão habilidoso com o instrumento, e o mérito de Batiste vem em garantir que, mesmo com pouca técnica, a parte de Wayne soe muito bem na música.

De forma geral, o Jazz e o Soul são a base de um álbum sólido que não tem medo de arriscar e, de certa forma, modernizar os aspectos mais tradicionais da música que consagrou Batiste.

17. Tainy – DATA

Nos últimos anos, o Reggaeton tem tido uma ascensão meteórica. Não é difícil isso gerar comentários acerca de uma suposta repetitividade do gênero, e a crítica é até válida em alguns contextos — porém, com DATA, Tainy mostra o quanto ainda é possível inovar.

Através de parcerias com nomes como Skrillex e Four Tet, o artista se afasta de vários estereótipos do gênero e busca se aproximar de outras estéticas, como a da música eletrônica e até o vaporwave, resgatado sob uma nova roupagem pelo músico depois de ficar alguns anos no ostracismo.

16. The Hives – The Death of Randy Fitzsimmons

Uma das bandas mais enérgicas ao vivo no planeta, o The Hives também não decepciona quando o assunto é disco de estúdio.

As versões ao vivo realmente estão um patamar acima, mas as composições de The Death of Randy Fitzsimmons são uma aula que mostra como é possível continuar apostando em uma sonoridade “raiz” do Punk e acertar em cheio.

15. El Mató a un Policía Motorizado – Súper Terror

Uma das bandas mais interessantes da América Latina voltou com tudo em seu novo disco de estúdio. Súper Terror mostra mais uma vez por que o El Mató a un Policía Motorizado se tornou tão querido por fãs brasileiros, como ficou claro durante o show que rolou no Primavera Sound São Paulo 2023.

Faixas como “Medalla de Oro” e “El Universo” são absolutamente deliciosas e dão o tom para o disco, que absorve elementos do Rock Psicodélico para trazer um caloroso abraço como só o povo latino é capaz de oferecer.

Súper Terror transporta o ouvinte para aquele lugar em comum que todos nós deste continente temos, como se fôssemos levados diretamente para ruas simples, com casas charmosas e crianças brincando na rua.

14. Beartooth – The Surface

Veterano da cena Metalcore, o Beartooth resolveu apostar em uma mudança radical para seu novo disco.

Desde a capa rosa até os refrães Pop chiclete, The Surface traz várias mudanças e não se envergonha de colocar a banda em um lugar mais próximo do mainstream — algo que acontece sem a perda de identidade, de forma louvável e intimamente relacionada à sinceridade que envolve o trabalho de 2023.

The Surface vai te fazer bater cabeça, cantar junto e até refletir, praticamente redefinindo o conceito de Pop Rock para algo mais pesado do que nunca.

13. Carly Rae Jepsen – The Loveliest Time

Já virou até rotina chamar Carly Rae Jepsen de subestimada, mas a verdade é que a cantora canadense tem se elevado a cada álbum. The Loveliest Time, apesar de ser o “lado B” de The Loneliest Time (2022), traz algumas das sonoridades mais experimentais e incríveis da cantora.

“Kollage”, por exemplo, é de fazer inveja em qualquer fã do Tame Impala que pode estar esperando há anos por algo tão bom. O Pop também marca forte presença, com faixas como “Psychedelic Switch” e “Shy Boy” mostrando como é possível trazer elementos diferentes sem perder o tom radiofônico.

12. Lana Del Rey – Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd

Depois de alguns anos de trabalhos mais experimentais, Lana Del Rey acertou em cheio com seu novo álbum. Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd dispensa grandes apresentações, mas merece todos os elogios possíveis principalmente pela habilidade de narrativa da cantora.

Envolver o ouvinte mais ligado ao Pop em uma canção como “A&W”, que tem mais de 7 minutos de duração, é um mérito incrível de Lana. Comparações à parte, Taylor Swift foi a única outra a conseguir algo do tipo recentemente com sua versão longa de “All Too Well” e só isso já diz muito sobre a capacidade de Lana Del Rey em prender a atenção com suas histórias.

Tudo isso, claro, é muito bem servido na produção de Jack Antonoff, que apresenta aqui um de seus melhores trabalhos ao entender muito bem o seu papel de simplesmente “embalar” os sentimentos da cantora da melhor forma possível.

11. DRAIN – Living Proof

Na ativa há quase 10 anos, o DRAIN lançou em 2023 seu segundo disco de estúdio, o ótimo Living Proof. O álbum é mais uma prova do ótimo momento vivido pelo Hardcore atualmente, com diversas bandas surgindo e conseguindo colocar o estilo mais em evidência do que nunca.

Desde seu primeiro lançamento, a banda fez um trabalho ótimo de trazer elementos do Thrash Metal para dentro do Punk.

Agora, o grupo incorpora ainda mais referências e consegue, por exemplo, fazer algo bem palatável e quase radiofônico com “Good Good Things”, enquanto “FTS (KYS)” vai resgatar aquela sensação que fãs de Suicidal Tendencies e outras bandas do tipo conhecem muito bem.

10. Mitski – The Land Is Inhospitable and So Are We

Em seu novo disco, Mitski conseguiu transformar uma abordagem simplista em algo grandioso.

Intimista, o álbum aposta principalmente na forma crua como a artista conversa com o ouvinte e não tem medo de falar sobre diferentes passagens de sua vida.

O álbum foi influenciado por nomes que vão de Igor Stravinsky a Caetano Veloso, e mostra que ano após ano, Mitski não apenas não tem medo de arriscar como também é prolífica em tudo que se propõe.

9. Paramore – This Is Why

Desde seu disco autointitulado de 2013, o Paramore vem dando sinais bem claros de que não vai se prender a uma sonoridade. A receita deu certo em After Laughter e voltou com tudo para This Is Why, disco que certamente fez valer a espera de quase seis anos por material novo.

Com Hayley Williams mais afiada do que nunca, a banda encontra aqui mais uma direção para explorar. This Is Why tem elementos de Talking Heads tanto quanto de Bloc Party, mas acerta mesmo ao incorporar as identidades musicais de cada integrante de maneira única, mudando de estética pede.

O elemento Punk é uma constante no álbum, mas a faixa-título, por exemplo, navega mais por referências Indie e Alternativas, enquanto “The News” parece abraçar a pegada mais pesada e “C’est Comme Ça” se arrisca até pelos lados do Math Rock.

Um baita disco que só nos deixou ainda mais curiosos pelo que vem no futuro!

8. Wednesday – Rat Saw God

Desde que foi fundada em 2017, a banda norte-americana Wednesday praticamente não sabe o que é passar um ano sem lançar um disco cheio. E é lógico que a gente ama isso por aqui.

Rat Saw God é o quinto álbum do grupo e sua obra prima até então, misturando Rock Alternativo, Punk, Shoegaze e Grunge com uma energia incrível e as almas dos integrantes claramente entregues às canções.

Agrada fãs que vão da cena clássica de Seattle com Nirvana e Soundgarden, até os que celebram bandas como My Bloody Valentine e Slowdive.

7. Victoria Monét – Jaguar II

Em meio a tantas inovações sonoras, chega a ser refrescante ouvir um disco que se propõe a fazer o que há de melhor em um gênero sem se preocupar tanto com clichês. É exatamente o que acontece em Jaguar II, de Victoria Monét.

A cantora resolveu arriscar o peso de fazer “mais do mesmo” e obteve um resultado especial ao se diferenciar não pelas experimentações, mas pela qualidade. Jaguar II soa como se fosse um clássico do R&B, como se tivesse sido lançado há vários anos e pudesse ocupar o mesmo panteão de verdadeiras lendas do gênero.

O single “On My Mama” é um grande exemplo de como essas sonoridades foram resgatadas sem pudor e de uma forma absolutamente louvável, apostando em arranjos completos e complexos, recheados de detalhes para evocar um sentimento de nostalgia mesmo em quem a ouve pela primeira vez, como fica bem claro em “Hollywood”.

6. Olivia Rodrigo – GUTS

Suceder um disco de estreia de sucesso é uma tarefa bem difícil e são poucos artistas que conseguem fazê-lo da melhor maneira. É o caso de Olivia Rodrigo, que não caiu na tentação de repetir a receita de sucesso para GUTS, que chega dois anos depois do ótimo SOUR.

Mais influenciada do que nunca pelo Rock e se mostrando disposta a aprender cada vez mais sobre o gênero, Olivia juntou influências de todos os tipos e manteve sua identidade Pop para efetivamente criar um dos melhores discos Pop Rock dos últimos anos.

Faixas como “get him back!” e “bad idea right?” remetem instantaneamente a grandes nomes do gênero em décadas passadas, especialmente por Olivia ter perdido totalmente a vergonha de incorporar guitarras e outros elementos mais orgânicos em suas músicas.

5. Sleep Token – Take Me Back to Eden

A misteriosa banda britânica Sleep Token é a sensação do momento na cena pesada e não é à toa. São anos e anos de fãs do gênero pedindo por novidades, pelo surgimento de alguém que esteja disposto a inovar e pensar fora da caixa em um dos estilos mais engessados da música.

Nesse sentido, Take Me Back to Eden foi um verdadeiro presente para toda a cena do Metal, com músicas ousadas que passam por diversos gêneros musicais e, mesmo tendo longas durações, estão fazendo frente a alguns nomes do Pop em questão de popularidade.

Em “The Summoning”, por exemplo, o tradicional breakdown metaleiro é substituído por uma espécie de interlúdio eletrônico que leva a uma parte com elementos de Funk e Jazz; na faixa-título, que tem mais de 8 minutos, um verso em Rap dá um contraste perfeito

4. ANOHNI and the Johnsons – My Back Was a Bridge for You to Cross

O quinto disco de estúdio do projeto antes conhecido como Antony and the Johnsons é uma poderosa declaração de força desde a sua capa, que tem a ativisita pelos direitos LGBTQ Marsha P. Johnson.

Aqui, ANOHNI e o produtor Jimmy Hogarth (Amy Winehouse, Sia, Tina Turner) beberam nas fontes de nomes como Nina Simone e criaram 10 faixas de música Soul que são pra lá de inspiradoras.

“It Must Change”, faixa de abertura, dá o tom do trabalho e é um verdadeiro hino moderno que abre alas para uma viagem pelo que há de melhor na música dos Anos 70, 80 e 90 com toda força vocal de ANOHNI.

3. Slowdive – everything is alive

Uma das bandas mais importantes e influentes do Shoegaze, o Slowdive poderia viver de suas glórias passadas sem qualquer problema. Ao invés disso, everything is alive é a prova de que a banda quer continuar traçando novos caminhos e mostrar que, mesmo entre tantos influenciados por aí, ninguém explora o gênero como eles.

Músicas como “kisses” mostram a banda se permitindo seguir um caminho mais Pop, o que (felizmente) aumenta o alcance de um dos grupos mais lendários e subestimados da música moderna.

Por outro lado, “alife” é a prova de que quem é rei nunca perde a majestade, com belíssimas texturas de guitarra se emaranhando com uma ambientação que surge a partir de sintetizadores e garantindo a mesma proficiência em criar uma atmosfera que os fãs do Slowdive conhecem há décadas, porém com uma nova e moderna roupagem.

2. Foo Fighters – But Here We Are

Depois da fatalidade com Taylor Hawkins, todos os olhares estavam voltados para o Foo Fighters. Ninguém sabia sequer se a banda continuaria ativa depois de mais um trauma para Dave Grohl, mas isso aconteceu através de um verdadeiro atestado ao poder da música chamado But Here We Are.

Visceral, emotivo, sincero e genial, o novo disco soa como uma sessão de terapia após Dave perder um de seus melhores amigos e também sua mãe, que faleceu pouco tempo depois. Músicas como “Show Me How” e “Rest” mostram os lados mais vulneráveis que já vimos do vocalista e guitarrista, que se coloca em uma posição de igualdade com o ouvinte e desperta sentimentos até em quem não tem motivo para tê-los.

Ao mesmo tempo, faixas como “Rescued” resgatam o que há de melhor na essência dos Foos, enquanto outras como “The Teacher” exploram mais do que nunca a veia experimental de Dave, que pareceu sempre gostar de coisas mais diferentes do que deixava transparecer em suas composições.

O futuro segue incerto para o Foo Fighters e seus fãs, mas But Here We Are serve, ao menos temporariamente, como uma verdadeira âncora para processarmos tudo que aconteceu nos últimos anos.

1. Caroline Polachek – Desire, I Want to Turn Into You

O modelo Pop atual, regido pelo streaming e pelas redes sociais e seus algoritmos, definitivamente não favorece experimentações. Não é segredo que lançamentos rápidos e constantes fazem mais o tipo da indústria nos dias de hoje, e Caroline Polachek ousou em absolutamente tudo que pôde para ter o disco do ano.

O ciclo de lançamento de Desire, I Want to Turn Into You começou lá em 2021, com o single “Bunny Is a Rider”. Depois, Polachek lançou mais alguns singles em 2022, incluindo “Billions” — faixa que, segundo ela própria, levou 19 meses para ser finalizada.

Algo que beira o surreal com as pressões do mercado hoje em dia é tratado com naturalidade por ela, e portanto não é de se surpreender que, de forma geral, o álbum tenha diversas movimentações absurdas, no melhor sentido da palavra, e fantásticas.

O instinto Pop está presente em tudo, especialmente nas grudentas melodias vocais de Caroline em faixas como “Welcome to My Island”, que introduz o disco com 20 segundos completamente malucos que sintetizam a influência de todo o álbum, indo desde o New Age até a PC Music, representada pelo produtor Danny L Harle e seu trabalho fenomenal por aqui.

Durante os 45 minutos do disco, Caroline Polachek explora sonoridades que vão desde a gaita de fole até o Pop dos Anos 2000, incluindo uma parceira com Grimes e Dido em “Fly to You” que parece como um encontro entre todas as artistas em um túnel do tempo que referencia a era Ray of Light de Madonna tanto quanto os trabalhos mais recentes e ousados de Grimes.

A ousadia de Caroline Polachek foi muito recompensada em Desire, I Want to Turn Into You, que é o disco do ano internacional de 2023 no TMDQA! com muito mérito. O Pop pode ir além e, neste caso, isso ficou mais claro do que nunca!