Os 50 Melhores Discos Internacionais de 2021

22. Fiddlehead – Between the Richness

Fiddlehead é uma espécie de supergrupo voltado a gêneros como Emo e Post-Hardcore.

Com integrantes de Basement, Have Heart e mais, o grupo lançou seu segundo disco em 2021 e mostrou que tem uma identidade própria pra lá de interessante.

Apresentando a mistura de indie, punk rock e música alternativa que tanto marcou a carreira recente de grupos como Hundredth e Title Fight, os caras souberam dosar perfeitamente a medida entre cada um dos gêneros para apresentar um dos álbuns mais poderosos de rock em 2021.

21. Jon Batiste – WE ARE

2021 foi um ano e tanto para Jon Batiste.

Além de ter vencido um Oscar pela trilha sonora de Soul (2020), o músico que tem um longo tempo de estrada lançou WE ARE, muito possivelmente o disco mais impressionante de sua carreira cheia de conquistas.

Em canções como “I NEED YOU”, Jon faz você sentir como se estivesse em um bar dos anos 50 nos EUA. Enquanto isso, em “FREEDOM”, usa uma batida mais moderna que vai te deixar com muita vontade de levantar e “sacudir o esqueleto” — afinal de contas, o espírito mais nostálgico da obra segue presente em todas as faixas.

20. J. Cole – The Off-Season

Talvez o rapper atual que mais se aproxime da sonoridade clássica dos Anos 90, J. Cole encontrou um caminho mais certeiro do que nunca em The Off-Season.

Abraçando de vez a sua paixão pelo basquete (que também fez parte da cena noventista) e trazendo feats que vão de Lil Baby a 6LACK, Cole leva a arte de fazer Rap a sério como poucos na história. Canções como “a m a r i” e “a p p l y i n g . p r e s s u r e” já deveriam estar em livros de estudo do gênero, por exemplo.

Ao mesmo tempo, o músico consegue encontrar uma pegada radiofônica em faixas como “p r i d e . i s . t h e . d e v i l”, que vai te colocar para dançar com uma das melhores batidas de 2021.

19. Billie Eilish – Happier Than Ever

Billie Eilish continua encantando o mundo com as suas composições.

Se seu segundo disco de estúdio não é tão inovador quanto a estreia de 2019, aqui a jovem cantora abre seu coração e sua mente para o mundo, falando sobre passagens da vida, opiniões e deixando bem claro o que pensa.

Considerando que a jovem acabou de completar 20 anos de idade e poderia muito bem se ausentar da responsabilidade, é muito interessante ver como a norte-americana transformou dores e passagens da sua vida adulta, que acabou de começar, em canções que servem como companheiras para outras pessoas ao redor do globo.

18. Silk Sonic – An Evening with Silk Sonic

Sem dúvidas um dos discos mais esperados de 2021 desde seu anúncio, An Evening with Silk Sonic marca a estreia do novo projeto de Bruno Mars e Anderson .Paak.

Já veteranos da música, os astros resgataram influências do passado e convocaram o lendário Bootsy Collins para criar um álbum que homenageia a música que serve como base para o sucesso do R&B e Rap atual.

No entanto, o grande diferencial está em saber atualizá-la. Não é à toa que “Leave The Door Open” e “Smokin Out The Window” se tornaram hits instantâneos nas redes sociais: as duas faixas abraçam perfeitamente a estética vintage mas, ao mesmo tempo, mostram uma facilidade em se adaptar às sonoridades de .Paak e Mars, dois grandes artistas dos tempos modernos.

Uma verdadeira viagem no tempo, guiada por quem respeita o passado e entende o presente.

17. Tyler, the Creator – CALL ME IF YOU GET LOST

Tyler, the Creator é um artista de vanguarda e não é surpresa vê-lo seguir em uma direção quase sempre contrária à indústria.

Em CALL ME IF YOU GET LOST, ele resgata a cultura da mixtape, que vem se perdendo no cenário do Rap há alguns anos. O trabalho é uma pedida certa para quem curte a versão mais crua do gênero, ainda que tenha seus momentos melódicos e suas inovações e experimentalismos.

Além de tudo isso, a obra tem feats de respeito, incluindo nomes como Lil Uzi Vert, Pharrell Williams e Lil Wayne, algo que contrasta muito bem com o aclamado IGOR (2019) e resgata as origens de Tyler.

16. The War On Drugs – I Don’t Live Here Anymore

Um conceito pouco conhecido no brasil é o de Yacht Rock.

O termo costuma englobar as músicas que têm uma sonoridade próxima ao Soft Rock mas que, por algum motivo, te dão aquela sensação de que você veleja pelo mar — não à toa, é muito associada ao Sul da Califórnia, onde a atividade é bastante comum.

Quando se fala nesse gênero, muito se pensa em bandas do passado, como Toto, Hall & Oates e Steely Dan. Mas, em pleno 2021, o The War On Drugs resolveu mudar totalmente sua direção e abraçar esse conceito tão específico e bastante complexo.

O resultado é I Don’t Live Here Anymore, um disco que vai te levar por uma viagem por mares nostálgicos que você nem poderia imaginar. Sem dúvidas, uma experiência única.

15. Halsey – If I Can’t Have Love, I Want Power

Quando foi anunciada, a parceria de Halsey com a dupla Trent Reznor e Atticus Ross, famosa por suas trilhas de filmes e pelo trabalho com o Nine Inch Nails, parecia quase absurda.

A verdade é que a cantora teve cacife mais do que suficiente para bancar a veia experimental dos produtores, que não economizaram em suas inovações sonoras e criaram faixas como “Bells in Santa Fe” e “I am not a woman, I’m a god”, as quais poderiam facilmente estar em discos do Nine Inch Nails se tivessem os tradicionais vocais de Trent.

Ainda assim, Halsey conseguiu imprimir sua própria identidade nas canções e portanto, mesmo quando vai para uma direção que possivelmente nunca nem imaginamos como em “Girl is a Gun” e “Lilith”, If I Can’t Have Love, I Want Power soa de fato como parte da discografia da cantora.

No fim das contas, o álbum é um grande refresco para quem busca um Pop que saia da caixinha. Necessário demais.

14. Parannoul – To See the Next Part of the Dream

Parannoul é uma daquelas coisas excelentes que surgiram nos últimos anos de maneira totalmente surpreendente.

O próprio artista sul-coreano se descreve como “apenas um estudante fazendo música em seu quarto”, e talvez seja justamente essa simplicidade e sinceridade que atrai tanto em To See the Next Part of the Dream.

A obra tem fortes influências do Shoegaze mas traz escolhas melódicas e harmônicas que lembram o Emo, se somando à voz do compositor que atua quase como uma textura — seja pelas letras (infelizmente) incompreensíveis para grande parte da população brasileira ou pela quantidade de efeitos que processam a melodia vocal, transformando-a em uma estética quase que de videogame.

A boa notícia é que ele até já lançou um novo material, que tem ligação com o Brasil. O split Downfall of the Neon Youth conta com a participação de sonhos tomam conta e também de Asian Glow. Duas ótimas pedidas!

13. Biffy Clyro – The Myth of the Happily Ever After

Acompanhar o Biffy Clyro é estar sempre preparado para ser surpreendido.

Depois de trazer um disco bem radiofônico em 2020 (A Celebration of Endings), o trio escocês chegou em 2021 com The Myth of the Happily Ever After para mexer com as estruturas de quem havia se esquecido dessa característica tão marcante da banda.

Desde os primeiros acordes de “DumDum” até a insanidade completa de “Slurpy Slurpy Sleep Sleep”, o trabalho mostra o viés mais experimental de uma banda que parecia estar se contendo nos últimos anos. Aqui, eles se soltam como há muito não faziam, gerando faixas como “A Hunger in Your Haunt”, que caberiam em diversos álbuns anteriores.

Para além do peso resgatado, Myth também não tem medo de ousar mesmo nas canções mais leves. “Haru Urara” é um excelente exemplo, sendo uma das baladas mais interessantes dos últimos anos, assim como a intensa “Witch’s Cup”.

12. Little Simz – Sometimes I Might Be Introvert

Há algum tempo, Little Simz tem mostrado que é uma gigante da música. Em 2021, ela resolveu finalmente fazer um disco à altura de tudo que é capaz: sem medo de criar, de experimentar e de se deixar levar, a britânica abre suas asas da forma mais bela que já fez até hoje.

Logo de cara somos recebidos com “Introvert”, uma verdadeira obra de arte. Quase totalmente orquestrada, com uso de diversos instrumentos pouco convencionais para o Rap, a faixa dá o tom para o que vai ser o disco.

Sometimes I Might Be Introvert é uma prova de que o Rap pode ser orgânico, pode ser orquestral, pode ter batidas, pode resgatar influências africanas. É uma prova de que o Rap pode tudo, desde que seja feito com paixão e competência como claramente é o caso por aqui.

É uma prova, acima de tudo, de que colocar Little Simz em uma caixinha é não apenas injusto mas também verdadeiramente impossível.

11. Floating Points, Pharoah Sanders & London Symphonic Orchestra – Promises

Um dos melhores discos do ano é um encontro daqueles de dar inveja a músicos de todo planeta.

Aqui, o jovem produtor britânico conhecido como Floating Points uniu talentos com o saxofonista Pharoah Sanders e a Orquestra Sinfônica de Londres para um trabalho impecável.

O resultado veio com Promises, um álbum que é cabeçudo mas tem uma sensibilidade ímpar ao conectar estilos clássicos com gêneros contemporâneos em uma verdadeira obra de arte.

10. Adele – 30

Adele já é uma das maiores artistas da história e o impacto do seu novo disco só deixou isso cada vez mais claro.

Antes mesmo de lançar 30, o mundo já parava para ouvir, ler e consumir o que a cantora britânica tinha a dizer — e quando tivemos a oportunidade de ouvir o álbum, tudo ficou bem claro.

Isso porque Adele não mediu palavras para falar sobre questões bem pessoais da sua vida, principalmente a respeito do divórcio recente, do seu filho, das mudanças pessoais entre Londres e Los Angeles e mais.

30 é uma série de confissões de alguém que alcança o mundo inteiro ao mesmo tempo em que tem poucas oportunidades de conversar com muita gente. Aqui, Adele aproveita a chance de entrar em nossos fones de ouvido para ser o mais franca possível.

9. Arlo Parks – Collapsed in Sunbeams

Um dos primeiros grandes discos de 2021, Collapsed in Sunbeams foi o pico de um trabalho de longa data construído por Arlo Parks.

Tendo lançado diversos singles ao longo dos últimos anos, a britânica resgatou alguns para compor o álbum e trouxe novas composições que mostram, novamente, por que ela é uma das grandes novas vozes do país europeu.

Com Collapsed in Sunbeams, Arlo abre a porta para o que deve ser uma carreira cheia de conquistas cada vez maiores. Sua voz não é sua única característica tão marcante, já que também somos presenteados com seu dom de compor, traduzindo em letra e música alguns dos maiores conflitos das gerações atuais e encontrando melodias que se conectam com cada um de nós intimamente.

Se lá atrás singles como “Eugene” e “Black Dog” lançaram Parks ao estrelato, o disco representa a cantora firmando os pés em um panteão que muitos levam anos para alcançar.

8. Japanese Breakfast – Jubilee

Michelle Zauner atacou novamente e Jubilee, seu terceiro disco de estúdio, é uma celebração do encontro de gêneros musicais nos dias de hoje.

Com uma abordagem alternativa para a música popular e popular para a música alternativa, a artista sabe encantar público e crítica em momentos como a dançante “Be Sweet” e “Paprika”, com ares de música folk.

7. Low – HEY WHAT

Nem tudo na música é sobre inovar e trazer sonoridades diferentes. Muitas vezes, o que mais queremos com a arte é um lugar de conforto.

HEY WHAT é, no entanto, necessário em um ano como 2021: experimental e intenso, o novo disco do Low usa o ruído e a distorção como recursos sonoros, se mostrando inovador o suficiente para prender o ouvinte mesmo através de momentos propositalmente desconfortáveis, provocativos.

O segredo é estar preparado para o que vem quando se dá o play. Logo com “White Horses” percebemos que o glitch faz parte da estética sonora do trabalho, o que fica ainda mais claro em “More”, possivelmente o maior destaque da obra com um instrumental confuso e intenso servindo como base para uma das mais belas melodias de voz do ano.

O disco tem seus respiros, é claro. “Days Like These” não deixa de se mostrar experimental, mas reduz a dose de ruído e foca em elementos eletrônicos mais proeminentes, enquanto “Disappearing” coloca as tais distorções mais ao fundo e cria um ambiente etéreo e extremamente único.

É natural que a proposta bastante ousada de HEY WHAT faça você se questionar muitas vezes sobre o que está ouvindo. O fato é que ninguém mais soa como o Low e, nos tempos atuais, essa é uma qualidade valiosa demais.

6. Spiritbox – Eternal Blue

Lá atrás na lista, quando falamos do Architects, citamos a necessidade de renovação do Metal. E uma das bandas mais competentes em fazer isso é o Spiritbox.

Tudo começa já com a formação da banda canadense: liderado pela incrível Courtney LaPlante, o grupo foge, em sua aparência, da “estética tradicional” dos metaleiros pelo mundo. No som, definitivamente também não há nada de tradicional para além da formação com vocal, guitarra, baixo e bateria.

Ao incorporar elementos do Metalcore como os famosos breakdowns, os vocais guturais de Courtney e as guitarras com mais cordas do que o normal, o Spiritbox tinha tudo para soar genérico. Mas é abandonando os estigmas e estereótipos do gênero que a banda encontra algo totalmente novo e, ao menos até agora, impossível de reproduzir.

Enquanto “The Summit” pode ser uma boa faixa de entrada para quem quer entender a proposta da banda, é em canções como “Secret Garden” e “Eternal Blue” que os canadenses se superam. A primeira, por exemplo, traz um instrumental cheio de pedais duplos na bateria e riffs virtuosos e pesados na guitarra enquanto LaPlante guia uma melodia quase angelical.

No fim das contas, o que torna Eternal Blue tão especial é a qualidade individual de cada composição. Mesmo quando a banda não traz nada exatamente novo, como em “Holy Roller”, tudo é feito com tanta maestria que é impossível não se ver batendo cabeça em poucos segundos.

Para além de tudo isso, o Spiritbox pode e deve ser a nova cara do Metal junto com outros nomes do gênero. Chegou a hora de mostrar que essa cena não precisa mais se excluir do resto, se isolando por uma suposta superioridade moral e deixando de absorver influências pra lá de interessantes de gêneros como Pop e afins.

5. Olivia Rodrigo – SOUR

Quem ouviu o primeiro single de Olivia Rodrigo — o mega hit “drivers license” — e desistiu por ali perdeu a oportunidade de conhecer um dos melhores discos do ano.

SOUR surpreende já nos primeiros segundos de sua execução na íntegra. Após um breve instrumental de ambientação, “brutal” já apresenta um dos melhores riffs de guitarra de 2021 que lembra (e muito) os clássicos do Riot Grrrl. E não é só pela guitarra: o vocal da estrela Pop também tem claras influências do movimento Punk liderado pelas mulheres.

Dali pra frente, o disco vai por inúmeras direções e revela ao mundo uma artista que não tem medo de ser autêntica e, ao mesmo tempo, tem uma facilidade fora do comum de dar voz a grandes sucessos radiofônicos.

Um exemplo disso é “good 4 u”, enorme hit que volta a colocar em evidência o formato “banda de Rock” (com voz, guitarra, baixo e bateria) e abre portas para que tantos outros artistas apostem nessa sonoridade que ficou anos e anos adormecida.

O fato é que Olivia Rodrigo já se tornou uma protagonista do cenário mundial e, pelo andar da carruagem, é bem provável que a jovem artista continue crescendo cada vez mais. Mal podemos esperar!

4. KennyHoopla – SURVIVORS GUILT: THE MIXTAPE//

Apesar de levar o nome “mixtape” e ter apenas 20 minutos de duração, o novo trabalho de KennyHoopla soa como um disco completo e é bom demais para ficar fora dessa lista.

Criada em parceria com Travis Barker, a obra é o auge do revival do Pop Punk que vem ganhando cada vez mais forma no mainstream. Em SURVIVORS GUILT, a dupla explora a sonoridade clássica do gênero em faixas como “estella//” e “turn back time//”, mas é preciso destacar o quanto canções como “silence is also an answer//” e “survivors guilt//” trazem uma pegada bem nova.

O grande momento do trabalho, no entanto, é “hollywood sucks//”. Com uma energia totalmente anos 2000 e um riff digno das melhores bandas de Hardcore Melódico (um estilo que fez tanto sucesso no Brasil), a faixa é uma daquelas que é capaz de incendiar uma multidão quando executada ao vivo.

Aproveitando, é impossível não destacar o quanto é refrescante que sejam justamente Kenny e WILLOW, dois músicos negros, que estejam liderando esse movimento e marcando presença nessa lista. Que seja o primeiro passo para tornar essa cena mais diversa do que nunca!

3. Turnstile – GLOW ON

Poucos gêneros têm uma sonoridade mais identificável do que o Hardcore. Daí veio o Turnstile e resolveu mexer em time que estava ganhando…

E o resultado é um dos melhores discos do ano com GLOW ON. Usando timbres que fogem do padrão e explorando ritmos, escolhas harmônicas e letras diferentes do normal, a banda conquista um espaço no mainstream que não era visto há anos.

GLOW ON não é exatamente digerível por qualquer um; afinal de contas, ainda é um trabalho pesado e intenso, como fica bem claro em “BLACKOUT”, “WILD WRLD” e “T.L.C. (TURNSTILE LOVE CONNECTION)”, algumas das melhores faixas da obra. A última, aliás, soa como se tivesse saído diretamente de uma sessão de composição do Bad Brains — um baita elogio, caso não tenha ficado claro.

Ao mesmo tempo, canções como “ALIEN LOVE CALL” (parceria com Blood Orange) e “UNDERWATER BOI” mostram a banda saindo da caixinha, explorando um som mais experimental e menos focado no peso.

Somando tudo isso, temos um álbum que vai levar o Turnstile em turnê mundial com uma dimensão até então inédita, incluindo até mesmo uma passagem pelo Lollapalooza Brasil em 2022.

2. Lil Nas X – MONTERO

Quando Lil Nas X bombou com “Old Town Road”, é bem provável que você tenha pensado que aquele seria o único hit do músico.

Não dava para estar mais errado. A cada lançamento, Nas foi mostrando se tornar um compositor melhor, mais completo, fazendo uso não só de seus recursos musicais de maneira genial como também aproveitando sua imagem e toda a polêmica que gira em torno dela para provocar, questionar e, acima de tudo, criar arte.

MONTERO é a culminação de tudo isso. Um álbum que, assim como seu autor, chegou para quebrar barreiras e levar ao topo algo totalmente diferente do que tínhamos visto até então.

Se a faixa-título da obra aposta em uma sonoridade sensual, mais eletrônica, a sua contrapartida está em canções como “SUN GOES DOWN” e “THATS WHAT I WANT”, faixas que referenciam o Pop Punk e ao mesmo tempo se encaixam com perfeição em meio a todas as outras influências de Lil Nas X.

O artista também deixa a sua capacidade de criar sucessos para a rádio claríssima quando consegue, com “INDUSTRY BABY”, atingir virtualmente o mesmo patamar de fama que teve com os hits anteriores.

É só o primeiro passo para o jovem e talentosíssimo Lil Nas X, que já recrutou até mesmo Elton John em seu disco de estreia. O futuro é empolgante demais e mal podemos esperar para que essa mente nos presenteie com mais trabalhos geniais como MONTERO.

1. C. Tangana – El Madrileño

E o disco internacional do ano é, pela primeira vez na história do TMDQA!, uma obra cantada em espanhol.

A escolha foi difícil, mas o que C. Tangana fez com El Madrileño é algo realmente impressionante. A obra ganhou destaque na mídia quando apareceu no formato Tiny Desk, em que o cantor apresenta as faixas em um clima de reunião familiar — algo que todo latino, seja brasileiro ou dos países de língua espanhola, conhece bem demais.

E El Madrileño é exatamente isso. Toda a jornada pela qual o álbum te leva soa como um domingo em família, mesmo em seus momentos mais experimentais como a faixa de abertura, a ótima “Demasiadas Mujeres”.

Na obra, Tangana ainda mostra um carinho e um respeito pela música brasileira — que, pelo jeito, é mútuo. Afinal de contas, o mestre Toquinho é um dos convidados no trabalho, cantando na excelente e sensual “Comerte Entera”, que transita o tempo todo entre o Flamenco, a Bossa Nova, a MPB, o Funk brasileiro e o eletrônico moderno, inclusive usando um sample de “Daniele Puxa o Bonde”, hit das antigas do Funk nacional.

Entre os outros convidados, aliás, também estão nomes gigantes de países latinos: Jorge Drexler (Uruguai), José Feliciano (Porto Rico), Omar Apollo (México), Eliades Ochoa (Cuba), Andrés Calamaro (Argentina) e até os Gipsy Kings.

Todos eles aparecem em contextos extremamente bem pensados. O melhor exemplo disso é “Muriendo de Envidia”, parceria com Ochoa, que remete bastante aos tempos do cubano com o Buena Vista Social Club.

No geral, El Madrileño é mais do que uma homenagem — é uma celebração da cultura latina, tão diversa e ao mesmo tempo similar o suficiente para ser englobada em um disco que não tem medo de seguir por direções diferentes e ousadas.

É um disco que, em pouco mais de 40 minutos, te faz sorrir, chorar, dançar, se emocionar, pular, gritar, cantar junto e, acima de tudo, sentir.